Transmettre et partager
Le plaisir de l’effort
Zéro douleur, zéro anxiété : seulement le plaisir de jouer !
Les pathologies fonctionnelles du musicien sont aujourd’hui bien répertoriées :
Les pathologies fonctionnelles des danseurs sont aussi aujourd’hui bien répertoriées :
Les pathologies des acteurs ne sont évidemment pas aussi spécifiques que pour les danseurs et les musiciens.
D’autres troubles aussi handicapants existent (non répertoriés comme pathologies) :
La « tendinite » : un terme improprement utilisé qui entraîne encore de nombreuses confusions. Ces gênes peuvent être invalidantes.
Autre exemple, le manque de souplesse en descendant dans les graves provient d’un relâchement excessif du masque. Cette gêne vous fait compenser, crée des tensions inutiles et de la fatigue.
N’oublions pas que la qualité du masque et des lèvres dépend de la dynamique de la langue et de la respiration. La langue est en lien direct avec la gestion du débit d’air et évite les compensations du masque ou des lèvres.
La focalisation sur le masque seul est source de tensions :
Pour optimiser votre masque ou vos lèvres, il convient d’ajuster vos épaules, votre axe vertical « des pieds à la tête », votre respiration et votre langue.
La prévention est indispensable afin d’éviter ou de réduire l’apparition, le développement et la gravité des pathologies fonctionnelles qui touchent les plus jeunes comme les plus aguerris.
Une formation sur mesure, qui tient compte de vos objectifs, votre planning, votre localisation.
Nous créons ensemble le contenu de votre formation en fonction de vos besoins et au fur et à mesure de votre avancée. Les thèmes abordés sont les suivants, tous en lien direct avec votre jeu :
Plusieurs solutions s’offrent à vous pour l’organisation de la formation en fonction de votre localisation et de vos disponibilités :
Nous travaillons ensemble à Paris dans un environnement spécialement dédié aux artistes. Les vidéos vous permettent de voir et revoir du contenu spécifique et d’intégrer encore plus vite. Nous travaillons sur un plan d’action établi lors de la première rencontre, qui évolue au fil du temps pour répondre à vos besoins. Les sessions en groupe à Paris, constituées de 3 à 5 professionnels, sont un accélérateur d’intégration. Ces sessions sont particulièrement riches car les questions de chacun servent à tout le monde. En fonction de votre lieu de résidence, nous pouvons aussi travailler à distance et alterner toutes ces possibilités.
Toutes ces formules sont évidemment complémentaires et vous offrent la possibilité de bénéficier de ce qui est le plus pratique pour vous, pour avancer à votre rythme.
Merci de me contacter par téléphone ou de me répondre par mail en me laissant votre numéro de téléphone, je serai ravi de vous accompagner personnellement dans vos projets.
Les formations suivantes sont prises en charge pour les personnes ayant le statut d’intermittent, les professeurs enseignant dans les écoles et conservatoires et les musiciens jouant dans des orchestres.
Le dossier est réalisé par nos soins, vous vous concentrez sur votre formation pour la mettre en application immédiatement.
Laissez-moi votre téléphone et je répondrai à toutes vos questions : contact@marcpapillon.com
À très vite,
Marc, 06 62 23 61 03
Nos premières séances seront consacrées à l’évaluation de votre organisation de travail (technique, mentale et stratégique) et à la création d’un plan personnalisé pour répondre à vos besoins et à vos objectifs. En groupe, en sessions individuelles, en ligne ou en présentiel, j’aime voyager et venir vous rencontrer.
Tout le monde a des points faibles dans sa quête d’excellence. Je travaillerai en étroite collaboration avec vous pour gravir ces montagnes après les avoir clairement identifiées et priorisées. Monter sur scène et jouer avec ses failles tout en utilisant pleinement l’ensemble de ses ressources est libérateur.
Être un artiste ne se limitant pas à pratiquer et à améliorer son jeu, je vous partagerai d’autres outils utiles tels que la visualisation motrice, la visualisation mentale, la pleine conscience et tous ces outils à intégrer progressivement (zéro douleur et zéro anxiété) pour une totale libre expression.
Dynamique de groupe. Trio, quatuor, quintette, classique, jazz, contemporain : invitez votre formation à aller encore plus loin !
Vous faites partie d’une formation en musique de chambre, en jazz ou en musique actuelle ? Invitez votre formation à aller encore plus loin. Formation financée pour les intermittents.
Pour les interprètes de telles formations, la pratique suppose non seulement des qualités instrumentales et artistiques de haut niveau, mais elle exige aussi de l’ensemble des musiciens une recherche de cohésion à la fois technique et esthétique. La pratique en groupe privilégie ce type et ce degré d’engagement à la fois personnel et collectif. Ces groupes s’inscrivent nécessairement dans la durée. Un groupe constitué n’est pas seulement trois, quatre, cinq ou six musiciens qui interprètent une partition, ce sont des êtres humains qui dialoguent musicalement. Et, dans le cas de groupes professionnels, ils le font pour un public.
hors instrument
Les clés de la préparation physique avant le jeu (répétitions, auditions, concerts, concours). Acquérir de l’endurance, de la souplesse, de la réactivité, de la stabilité, de la puissance, gérer le corps dans l’espace.
à l’instrument
Faire le lien entre les exigences techniques instrumentales et le respect de l’anatomie fonctionnelle : sonorité, vibrato, démanché, tempi, nuances, colonne d’air, souplesse du masque, attaques, etc. Répartir ses efforts, s’économiser…
organisation du travail
Apprendre à organiser le temps de travail, ses priorités, développer l’efficacité, les temps de pause… Une stratégie optimisée libère du temps.
état d’esprit
Développer la concentration, jouer avec assurance en toutes circonstances avec des objectifs clairs. Une approche fine et ergonomique développe les qualités recherchées : vélocité, endurance et plaisir de jouer ensemble.
Les ateliers sont conçus pour que le musicien et le groupe de musiciens puissent utiliser dès les prochaines répétitions et concerts les outils expérimentés lors de ces journées. Avec le coaching de groupes, vous accédez aux ateliers, que vous avez le temps de visionner autant de fois que nécessaire, un mois avant notre rencontre.
La prévention est indispensable afin d’éviter ou de réduire l’apparition, le développement et la gravité des pathologies fonctionnelles qui touchent les plus jeunes comme les plus aguerris.
Ces journées de formation et de coaching sont dispensées dans votre lieu habituel de répétition ou à Paris.
En groupe, le musicien tire profit de l’expérience de l’autre. L’effet miroir est constructif pour un travail d’équipe ainsi que pour le développement de la santé physique et mentale du musicien.
La matinée est consacrée à clarifier les confusions fonctionnelles en rencontres individuelles, pendant que le reste du groupe travaille déjà les directions proposées en début de matinée.
L’après-midi, nous nous retrouvons tous ensemble pour mettre en application et développer vos nouveaux outils dans une nouvelle dynamique de groupe.
Le travail peut ensuite se poursuivre pendant l’année pour aller encore plus loin et préparer par exemple un prochain concert.
Contactez-moi par mail ou par téléphone, nous organisons ensemble le programme de cette journée.
Chacun de nous dispose de capacités pour « faire face » : comment les identifier et les perfectionner pour les utiliser de manière optimale sur scène ou dans des situations de prestations devant un public ?
Des outils sont mis à la disposition des participants pour effectuer ce bilan. Développer de nouvelles techniques pour faire face à une prestation devant public, les mettre en pratique aux moments opportuns.
Le stage est basé sur la mise en pratique des différents moyens dont nous disposons psychologiquement pour obtenir la meilleure performance possible, ainsi que sur la mise en place pratique de techniques qui permettent d’obtenir un meilleur contrôle et une plus grande efficacité de soi sur scène ou devant un public.
Ce stage est centré sur la pratique de techniques mentales et physiques pour l’obtention d’une prestation musicale optimale.
Marc Papillon accompagne les artistes à apprendre rapidement à être plus performants :
pour finalement être toujours plus clair avec ses besoins, ses capacités et ses orientations.
Soutenir les artistes et leur apporter un regard pratique sur l’intégration de nouvelles données :
Marc vous partage son travail et continue chaque jour à créer de nouveaux outils spécifiques.
La main est une architecture incroyable et complexe.
Chaque jour vous prenez le temps de développer de meilleures sensations.
Techniquement, la stabilité du poignet est la clé pour la liberté des doigts. Or la « souplesse » du poignet est trop souvent enseignée.
Autre exemple de confusion : la « détente » du pouce est souvent recherchée. Or, le pouce est le pilier de la stabilité de la main : mobile ou immobile, il permet aux autres doigts de gagner en liberté.
Lorsque ces repères sont perturbés, la main se dérègle, générant douleurs et anxiété.
Retrouver une main stable, sensible et puissante, c’est redonner aux doigts agilité, indépendance et précision.
Le masque stable, la mâchoire détendue, la souplesse des lèvres, la maîtrise de la langue.
Pour les instrumentistes à vent, la recherche d’un équilibre entre le muscle constricteur (l’orbiculaire) et tous les muscles dilatateurs est fondamentale.
Si les muscles dilatateurs travaillent dans toutes les directions « en soleil », les muscles abaisseurs des lèvres, eux, sont trop souvent négligés.
Un masque trop relâché entraîne des compensations (tensions de la nuque, de la gorge, crispation de la mâchoire), limitant la souplesse dans les graves et favorisant la fatigue.
La focalisation sur le masque seul est source de tensions :
La qualité du masque et des lèvres dépend directement de la dynamique de la langue et de la respiration. C’est l’ensemble du système (langue, souffle, posture) qu’il faut ajuster pour préserver la liberté d’expression.
Un axe vertical « tonique et détendu », des pieds à la tête : stabilité, ancrage et endurance.
En position assise, debout, en marche ou au repos, notre colonne vertébrale fait partie de notre axe.
« Je dois me redresser » est une pensée fréquente et fatigante. Installer un relâchement voire un affaissement ne l’est pas moins. Redresser la tête et tirer les épaules en arrière n’est pas juste et provoque de la fatigue.
Ajouter à cela une respiration trop basse provoque inévitablement un relâchement de la sangle abdominale et des tensions lombaires ou cervicales.
Le tonus est la clef de la détente physique et mentale. Abdominaux, fessiers, dorsaux, pieds, bassin, dos, respiration : un axe tonique pour une tête équilibrée.
Ne luttez plus, jouez avec la gravité ! Le juste équilibre est un tonus actif : abdominaux, dorsaux, bassin, respiration. Ce tonus permet à la tête de s’équilibrer sans effort et libère le musicien du combat contre la gravité.
Des épaules puissantes libèrent les lèvres et les mains.
Jouer signifie porter les bras en suspension dans une position relativement immobile. Vos épaules et votre nuque fatiguent, vous cherchez à les relâcher. C’est un leitmotiv fréquent, mais en les « relaxant » vous les tendez ! Car le poids des bras pèse sur la musculature du haut du dos.
Les épaules jouent un rôle fondamental. En suspension, elles portent les bras et conditionnent la liberté des mains et du souffle.
Un relâchement excessif fatigue la nuque et restreint la respiration. Tirer les épaules en arrière provoque des douleurs entre les omoplates.
À l’inverse, des épaules engagées et toniques allègent la nuque, libèrent le masque et les mains, et renforcent la confiance en soi.
Transmettre et partager. Le plaisir de l’effort.
Des erreurs fonctionnelles sont souvent intégrées trop jeune : la recherche d’une détente physique excessive entraîne de nombreuses compensations. Les épaules, les poignets, le ventre, les pouces, la langue, la gorge sont les régions les plus visées dans cette recherche de détente.
Tant de conseils transmis de génération en génération entretiennent les confusions avec des conséquences sur le confort, sur la vélocité ou l’endurance.
Grâce à une approche plus consciente de l’anatomie fonctionnelle, les idées reçues sont progressivement remplacées. Les outils nécessaires à l’expression, la vélocité et le plaisir facilitent cet apprentissage.
La didactique progresse rapidement et peut aujourd’hui s’appuyer sur l’anatomie fonctionnelle. Il est indispensable d’intégrer ces connaissances à la pédagogie.
Il est temps de décrypter ces confusions et de réaliser, par exemple, que l’immobilité est une des causes principales des pathologies fonctionnelles. L’hyper-répétitivité et le manque de stabilité sont les autres facteurs favorisant les troubles fonctionnels.
Le manque d’ergonomie du geste, le perfectionnisme, le fait de forcer et de négliger les pauses sont autant de raisons qui démontrent l’importance de l’organisation de travail.
La pratique de la musique et de la danse implique des sollicitations biomécaniques répétées, susceptibles de causer l’abandon de la pratique ou de la ralentir fortement en pesant psychologiquement sur la santé.
Les éléments de qualification du travail répétitif généralement admis en tant que facteur de pénibilité sont les suivants :
Il ne s’agit pas pour autant d’enseigner l’anatomie mais d’offrir aux artistes des raccourcis en réponse aux problématiques rencontrées (fatigue de dos, de nuque, d’épaule, difficultés de tenue de main, d’indépendance, de doigts, de laxité, d’anxiété, etc.).
La technique corporelle peut être simplifiée par la prise en compte de l’anatomie fonctionnelle.
Ces équilibres au service de la danse, de la musique et de toute autre forme d’art, doivent être conservés et optimisés afin de pouvoir jouer longtemps avec son corps tout entier.
Monter sur scène avec la difficulté de gérer ses émotions éloigne du plaisir de jouer et de danser.
Jouer et danser sans émotion (débordante) ne signifie pas jouer sans musicalité et sans le sens du mouvement.
Développez vos repères physiques, ceux qui vous ancrent et qui vous stabilisent.
Une mauvaise gestion des émotions limite les capacités techniques et l’expression. Vous limitez votre endurance et c’est précisément cela qui vous stresse.
Vous avez donc le choix de monter sur scène calmement en restant branché avec vos sensations ou de vous perdre dans vos émotions, c’est l’un ou l’autre.
Aussi, la respiration est souvent utilisée pour gérer les émotions. Mais en situation, une respiration trop basse (abdominale ou profonde ou ventrale ou diaphragmatique) ne vous détend pas.
Toutes ces données permettent aux artistes et professeurs de gagner en efficacité dans leur pratique et de l’intégrer dans leur pédagogie.
Techniquement, la stabilité du poignet est la clé pour la liberté des doigts. Or la souplesse du poignet est trop souvent enseignée.
Autre exemple de confusion : la « détente » du pouce est souvent recherchée. Or le pouce est le doigt le plus important de la main, il contribue à la stabilité du poignet et de la paume. Tout comme le gros orteil, le doigt le plus important du pied. La stabilité du pouce, mobile ou immobile, offre aux autres doigts une liberté d’action.
La stabilité de la cheville est fondamentale tout comme les muscles intrinsèques du pied.
La perte des repères et des « bonnes » sensations est évidemment très anxiogène.
Prendre conscience de ces confusions facilite l’optimisation du geste, la récupération et augmente aussi le plaisir de jouer.
Ces confusions perturbent le fonctionnement de la main et favorisent « tendinites » et autres dysfonctionnements.